Opinión personal ``El Padrino´´

Aunque he visto las tres partes de la saga la que más me ha gustado ha sido la primera. Me ha gustado bastante ya que el argumento me parece muy bueno y representa un poco como era la vida de la mafia en los finales de los 40 y principios de los 50. En especial me han gustado los papeles de Al Pacino y James Caan,ya que son tipos duros, sobretodo este último. Otros papeles que también me han gustado son los de Robert Duvall y Marlon Brando. La banda sonora es de las más famosas en la historia del cine, y también me gusta.

El show de Truman

1.-

El cartel junto al título me sugieren la retransmisión de la vida de una persona, la cuál no parece saberlo, ya que se le ve duriendo sin ninguna preocupación como si estuviera en su intinidad, además de ser en directo y que traiga una fecha debajo.

Esta imagen me transmite la felicida de na persona viviendo su día a día sin saber que está continuamente en televisión.

En esta imagen está hablando consigo mismo en el espejo, donde en el fondo hay una cámara y lo está viendo todo el mundo.

Este es el momento en el que abandona el mundo que ha sido creado para él para estar en el mundo real.





2.-

• Sí, ya que tanto en Truman como en Matrix los dos personajes están en un mundo que no es el real y viviendo de las apariencias, como en el mito de la Caverna de Platón.

• Truman se empieza a liberar cuando vuelve a ver a su padre que supuestamente estaba muerto, ya que tiene la duda de si todo es real o está manipulado y se decide a saber la verdad.

3.-
Quiere decir que las cosas solo están presentes cuando las vemos en televisión. Si por ejemplo estamos viendo algo en la televisión y acaba queremos ver otra cosa, ya que el programa que acabamos de ver ya no nos interesa y nos olvidamos de él.


4.-
Es una sociedad como lo sería otra cualquiera de Estados Unidos. Es un pueblo con sus casas individuales y sus jardines, con sus habitantes y sus vidas...pero nada es lo que parece.


5.-
El derecho a la intimidad es más importante, ya que cada persona siempre tiene algo que ocultar, y no por simple hecho de que nosotros queramos saber la intimidad de los demás por diversión o entretenimiento tenemos la justificación a destarparla. Por ejemplo, en la película podemos observar que cada mañana Truman habla consigo mismo en el espejo, de tal manera que hace burla. Las tonterías que hace frente al espejo las hace todo el mundo, pero no son descubiertas, sin embargo las suyas sí, y que no se descubran es uno de sus derechos.

6.-
Los medios de comunicación actuales ocultan y manipulan la información como quieren según sus intereses y como les convenga. Por ejemplo, en la película cuando "desaparece" Truman hacer como si fuera parte del guión hasta que se les va de las manos y cortan la emisión.


7.-
El amigo de Truman siempre lleva en el show cervezas (publicidad encubierta). En la programación de hoy en día también hay publicidad encubierta como en los programas de televisón o en las series o en películas como productos de comida, bebidas, limpieza...todo tipo de productos.


8.-
Tiene una actitud prepotente, de que lo organiza todo, de que hay que hacerle caso, de como si fuera un dios, ya que es el creador del mundo de Truman, y cree que por ser el creador del programa y haga feliz a miles y miles de personas tiene derecho a todo, pero no tiene justificación porque está jugando con la vida de una persona ya que la lleva engañando durante toda su vida y no tiene derecho a eso.


9.-
Sí, tiene miedo. Un miedo creado por Christof durante toda su vida a partir de manipulaciones con la gente del programa, hasta de quienes supuestamente son su familia y amigos. Por esta razón tiene miedo a abandonar el lugar para ir a las islas Fiji, situadas al sur del oceáno Pacífico. Pero finalmente se atreve a salir de ese escenario para estar en el mundo real. Por ejemplo cuando va a la agencia de viajes hay un poster con el accidente de un avión que pone "podría pasarte a ti". Este poster está puesto ahí precisamente para hacer que Truman tenga miedo y no se vaya.



10.-

• Que es injusto, ya que no le han preguntado. Su primeara aparición en la televisón fue una ecografía. 

• La vería si me pareciera interesante aunque no me parecería bien.

• Algo parecido hoy en día es Gran hermano, ya que cuenta la vida de un grupo de personas en una casa, y sigue adelante porque la gente lo ve por entretinimiento.

 11.-
a) Gran hermano, mujeres hombres y viceversa, supervivientes...
b) Transmiten los valores de la gente inculta, o sea, los de como casitoda la gente.
c) En realidad no porque esas personas están ahí porque quieren. En el caso de Truman él no tiene la opción de querer o no querer.
d) No, porque no por teneer mucha audencia es buen programa; al contrario, los programas con más audiencia son los programas bazofia cuyo objetivo es ese, obtener audiencia.


12.- 
El agua tiene un papel muy importatnte ya que es el miedo de Truman y es lo que impide que se vaya.
La figura de Christof es como la de Dios, la del  "creador".
En la escena del barco hay mucho simbolismo bíblico, ya que que hay una tormenta que causa que Truman quede con los brazos en forma de cruz como cuando Jesús fue crucificado. Luego "resucita" como  Jesús y camina sobre el agua.


13.-
Es una frase muy cierta ya que define muy bien en lo que se ha convertido hoy en día el televisor para el ser humano.


 14.-
Quiere decir que en la televisión emiten lo que quieren por sus intereses y manipulan los programas según les convengan.


15.-
Ocurre igual que en las modas de ropa, actores, frases...todo es una tendencia, y la gente se cree "guay" por seguirlas y pertenecer parte de ellas sin que le gusten.


16.-
Es el diálogo del final de la película, en que Christof y Truman hablan de lo que hará Truman: quedarse o marchar. Christof le intenta convencer para que se quede, pero Truman se acaba marchando.



 

Mito de la caverna de Platón

Aunque stá considerada más una alegoría que un mito, es las más célebre alegoría de la filosofía. Su importancia se debe tanto a la utilidad de la narración para explicar los aspectos más importantes del pensamiento platónico como a la riqueza de sus sugerencias filosóficas. 

Se tratra de una explicación metafórica explicada por Platón, sobre la situación en que se encuentra el ser humano respecto del conocimiento. Platón explica como podemos captar la existencia de los dos mundos mediante su teoría del conocimiento: el mundo sensible (sentidos) y el inteligible (razón).

Platón describió en su alegoría de la caverna un espacio cavernoso, en el cual se encuentran un grupo de hombres, prisioneros desde su nacimiento por cadenas que les sujetan el cuello y las piernas de forma que únicamente pueden mirar hacia la pared del fondo de la caverna sin poder nunca girar la cabeza. Justo detrás de ellos, se encuentra un muro con un pasillo y, seguidamente y por orden de cercanía respecto de los hombres, una hoguera y la entrada de la cueva que da al exterior. Por el pasillo del muro circulan hombres portando todo tipo de objetos cuyas sombras, gracias a la iluminación de la hoguera, se proyectan en la pared que los prisioneros pueden ver.

Estos hombres encadenados consideran como verdad las sombras de los objetos. Debido a las circunstancias de su prisión se hallan condenados a tomar únicamente por ciertas todas y cada una de las sombras proyectadas ya que no pueden conocer nada de lo que acontece a sus espaldas.

Continúa la narración contando lo que ocurriría si uno de estos hombres fuese liberado y obligado a volverse hacia la luz de la hoguera, contemplando, de este modo, una nueva realidad. Una realidad más profunda y completa ya que ésta es causa y fundamento de la primera que está compuesta sólo de apariencias sensibles. Una vez que ha asumido el hombre esta nueva situación, es obligado nuevamente a encaminarse hacia fuera de la caverna a través de una áspera y escarpada subida, apreciando una nueva realidad exterior (hombres, árboles, lagos, astros, etc. identificados con el mundo inteligible) fundamento de las anteriores realidades, para que a continuación vuelva a ser obligado a ver directamente "el Sol y lo que le es propio", metáfora que encarna la idea de Bien.

La alegoría acaba al hacer entrar, de nuevo, al prisionero al interior de la caverna para "liberar" a sus antiguos compañeros de cadenas, lo que haría que éstos se rieran de él. El motivo de la burla sería afirmar que sus ojos se han estropeado al verse ahora cegado por el paso de la claridad del Sol a la oscuridad de la cueva. Cuando este prisionero intenta desatar y hacer subir a sus antiguos compañeros hacia la luz, Platón nos dice que éstos son capaces de matarlo y que efectivamente lo harán cuando tengan la oportunidad, con lo que se entrevé una alusión al esfuerzo de Sócrates por ayudar a los hombres a llegar a la verdad y a su fracaso al ser condenado a muerte.

Cinema Paradiso

CINEMA PARADISO

Es una película italiana estrenada en 1988. Trata sobre la vida de una familia en la posguerra, en especial sobre la de un chico llamadp Totó. Está considerada un clásico como declaración de amor al cine.

Ficha técnica:

-Dirección: Giuseppe Tornatore
-Porducción: Franco Cristaldi/Giovanna Romagnoli
-Guión: Giuseppe Tornatore
-Música: Ennio Morricone/Andrea Morricone
-Fotografía: Blasco Giurato
-Reparto: Philippe Noiret/Salvatore Cascio/Marco Leonardi/Antonella Attili/Jacques Perrin/Agnses Nano/Brigitte Fosey
-País: Italia
-Duración: 155 minutos
-Género: melodrama
-Año: 1988

Sipnosis:

La película narra la historia de un niño de un pequeño pueblecito italiano llamado Giancaldo en el que el único pasatiempo es disfrutar de las películas del Cine Paradiso. Encantado por las oscilantes imágenes, Salvatore deseaba con todas sus fuerzas que el cine fuese en realidad magia. Un día, Alfredo, el operador de cine, accede a enseñar al pequeño los misterios que se ocultan en una película. Todos los niños de la pequeña villa van creciendo, sin perder nunca su amor por el cine, pero llega el momento en el que Salvatore debe dejar el pueblo y comenzar a buscar sus sueños. Y así ocurre durante treinta años hasta que un día un mensaje le comunica que debe volver a casa donde un secreto le espera.

 

Opinión personal:

 La película me ha gustado, ya que cuenta la vida de Totó, que se parece bastante a la vida real de aquella época y tiene un amor que le falla y le marcará para el resto de su vida. Lo que más me ha gustado fue la última escena, ya que Totó se emociona al ver el regalo de Alfredo tras su muerte. La banda sonora también me ha gustado porque encaja en la película, que también es muy conocida. 

Análisis:

-Título: escogieron este titulo porque para los habitantes de aquel pueblo su único entretenimiento era ir al cine, y muchas personas se aprendían los diálogos de las películas, con lo cual el cine aparte de educador sentimental también era educador inteligente si no tenían acceso a una escuela.

-Según fueron pasando los años la sociedad fue cambiando, como por ejemplo la aparición del coche y de la televisión. Al haber televisión ya no se iba tanto al cine, así que lo demolen para construir aparcamiento para los coches en la plaza.

-La iglesia en aquella época ocupaba el lugar central, más alto y más soleado del pueblo. Era una inspiración para el cine, ya que una iglesia católica está llena de imágenes y colores, que junto a la imaginación es lo que se necesita para hacer una película.

-Es una película mediterránea ya que es muy luminosa y hacen honor a mitos griegos, como por ejemplo la película de Ulises

-El arte surge de la tragedia, ya que es el sentimiento más expresado por los artistas ya sea en música, literatura, pintura...

-La censura de la iglesia juega un papel muy importante en el cinde de aquella época, ya que cada vez que había un beso, un abrazo o un gesto de amor lo cortaban.

-El cine neorrealista italiano desarrolla tramas entre la clase pobre y la trabajadora. La trama de este movimiento es la situación ecónomica y moral después de la posguerra, reflejando los sentimientos y las condiciones de vida, y normalmente se rodaban al aire libre usando mismamente de fondo la devastación de la guerra.

Ciudadano Kane

Ciudadano Kane

Considerada una obra maestra de la historia del cine, es una película estadounidense dirigida, escrita, protagonizada y producida por Orson Welles en 1941. Ganó un Óscar al mejor guón original y estuvo candidata a otras 8 categorías.

 Ficha técnica:

-Dirección: Orson Welles

-Ayudante de dirección: Edward Donahue/Fred Fleck

-Dirección artística: Van Nest Polglase

-Producción: Orson Welles/George Schaefer

-Guión: Herman J. Mankiewicz/Orson Welles

-Música: Bernard Hermann

-Sonido: Bailey Fesler/James g. Stewart

-Maquillaje: Maurice Seiderman

-Fotografía: Gregg Toland

-Montaje: Robert Wise

-Escenografía: Darrell Silvera

-Vestuario: Edward Stevenson

-Efectos especiales: Vernon L. Walker

-Protagonistas: Orson Welles/Joseph Cotten/Everett Sloane/George Coulouris/Ray Collins

Resumen:

Un hombre llamado Charles Foster Kane es el dueño de una importante cadena de periódicos, de dos sindicatos, de una red de emisoras y de una interminable collecion de objetos valiosos como pinturas, esculturas, etc. Cuando muere en Xanadú, en su castillo de estilo oriental dice su última palabra que es ``rosebud´´. Al no saberse su significado despierte gran curiosidad en los periodistas. Un grupo de periodistas investiga el significado de esta palabra, que es un enigma. ``Rosebud´´ era el nombre de su trineo cuando este era niño, pero emocionalmente esta palabra para Kane significa todo ese pasado, cariño de sus padres e  infancia que no pudo vivir ya que la felicidad de la vida la intentaba encontrar en cosas materiales como el dinero.

 

Opinión personal:

La película personalmente me ha parecido buena pero no me ha gustado ya que me ha parecido aburrida. Lo que si me ha gustado de ella es su moraleja ya que te viene a decir que hay ser feliz en esta vida, y que muchísimas veces esa felicidad no está en las cosas materiales como el dinero, aunque te puede ayudar a ser feliz siempre. Creo que Kane intenta encontrar en el dinero su felicidad, pero no se da cuenta de que le falta lo más importante para ser feliz, el amor de una familia.

No te cortes

-En este anuncio se puede ver a una mujer recién levantada intentando seducir a un hombre en una situación no muy cómoda para él.
-La figura de la mujer establece una línea de fuerza entre ella y el hombre.
-El escenario es un baño normal y corriente en el que destaca la espuma de afeitar que se anuncia.
-Hay una serie de objetos secundarios como la cuchilla que el hombre sujeta, los cepillos de dientes en un vaso al fondo, la toalla detrás del hombre, la espuma en la cra del mismo y una ventana a la ezquierda.
-El producto al ser una espuma de afeitar va dirigida al sexo masculino, hacia una edad joven..
-También se puede ver que debajo de la fotografía se puede ver el bote de espuma apuntando hacia la entrepierna del hombre, el cual está sufriendo una erección.
-Tiene su propio nombre y lema, y un tipo de letra fácil de recordar.
-Hay dos encuadres: el mayor, en el que aparece toda la escena, y el menor, en que aparece el objeto anunciado y su lema.

Historia de la prensa

Historia de la prensa:

Los antecedentes de la prensa provienen de unos boletines de noticias en la época del Imperio Romano. Estos boletines cincelados en tablillas se fijaban en paredes de lugares públicos y constituyeron un importante camino de expresión para el gobierno.

A finales del siglo XVI comienzan a aparecer publicaciones más o menos semanal o mensualmente. Esto era gracias al correo. Se llamaban ``gacetas´´, porque la moneda con la que se pagaba se llamaba así, y contenían mayoritariamente noticias extranjeras. Estaba organizada por país, ciudad y fecha. En 1597 en Holanda surgen las publicaciones semanales, que dio lugar al negocio de los impresores. La generalización de los diarios no se manifestó hasta finales del siglo XVII, cuando la creciente demanda informativa provoca la periodicidad diaria. Aparece en 1792 el Diario de Barcelona, que está considerado el primer diario de Europa. Era muy frecuente transmitir ideales políticos a través de él, ya que ejerce una notoria influencia sobre el público.

 El nacimiento de agencias de noticias provocó cambios en la información que se ha mantenido hasta nuestros días. A finales del siglo XIX  aparecen los nuevos periódicos de masas que aumentan sus tiradas, incluyen muchas páginas de publicidad y obtienen muchos beneficios.

Estos periódicos se convirtieron en bienes de usos a bajo precio. Su presencia en la sociedad los convierte en instrumentos de gran influencia, lo cual les permitirá manipular la información. Entonces surge la prensa amarilla, cuyo máximo representante fue Hearts con su periódico ``The New York Journal´´, el cual fracasó, pero muchas de sus aspectos formales y de contenido han llegado hasta los medios impresos actuales.

Como reacción a la prensa amarilla surgió el``New York Times´´, que era un periódico de élite de información general, que se basaba en la documentación exhaustiva y análisis de hechos.

Los estados defienden la libertad de expresión y al mismo tiempo, establecen normas de control de los medios. Junto al periodismo escrito, a medida que avanza el siglo, se desarrolla el periodismo en la radio y en la Tv.

En 1970 se inicia una crisis que da entrada a la sociedad de la información en la que estamos inmersos. El desarrollo de las nuevas tecnologías afecta a todos los medios de comunicación. Muchos estados que mantenían medios públicos los privatizan dejándolos en manos de grandes grupos empresariales. Cada vez cobra más importancia en el mercado audiovisual de modo que los diarios se copnatgian de la fuerza de lo icónico e incorporaron cada vez más la imagen y color.

En España, la prensa experimenta una importante auge con la aparición de publicaciones de todo tipo. Además los periódicos con historia como el ``ABC´´ o ``Vanguardia´´, aparecen ``El País´´,``Diario 16´´ o ``El Mercurio´´ que se convierten en sólidas empresas de comunicación y grupos de poder. Uno de los atractivos de estos periódicos que certifican su calidad es que en ellos participan periodistas y escritorios importantes de nuestro tiempo.

Casablanca

Casablanca

Es una película de 1942 estadounidense dirigida por Michael Curtiz. Cuenta una historia de drama romántica ambientada en Casablanca, una ciudad marroquí bajo el control el gobierno de Vichy. Está protagonizada por Humphrey Bogart y Ingrid Bergman. Ganó 3 Óscar, uno al mejor director, otro a la mejor película y otro al mejor guión adaptado. Esta película está considerada una de las mejores películas del cine, que a su vez tiene escenas muy famosas como la del beso entre Rick (Humphrey Bogart) y Ilsa (Ingrid Bergman), frases como ``Siempre nos quedará París´´ o también su famosísima banda sonora ``El tiempo pasará´´.

Ficha técnica:

-Dirección: Michael Curtiz/Carl Jules Weyl
-Producción: Hal B. Wallis
-Guión: Julius J. Epstein/ Philip G. Epstein/Howard Koch/Casey Robinson
-Música: Max Steiner (El tiempo pasará)

-Sonido: Francis J. Scheid
-Fotografía: Arthur Edeson
-Montaje: Owen Marks
-Vestuario: Orry-Kelly
-Efectos especiales: Lawrence Butler
-Reparto: Humphrey Bogart/Ingrid Bergman/Paul Henreid/Claude Rains/Conrad Veidt/Sydney Greenstreet/Peter Lorre/S.K. Sakall/Madeleine LeBeau/Dooley Wilson/Joy Page/John Qualen/Leonid Kinskey/Curt Bois

 Sipnosis:

Rick es un ex-combatiente antifascista. Después de esto, fue perseguido por los nazis, así que huyó a Casablanca, una ciudad marroquí que está bajo el mando del gobierno de Vichy. Allí tiene su propio negocio, donde sus trabajadores son miembros que han recurrido al exilio como un camarero ruso, otro camarero que es miembro de la Resistencia y donde el pianista del bar es francés. Un día en su bar aparece Victor Laszlo, un jefe de la Resistencia con su mujer Ilsa, que anteriormente tuvo una historia amorosa con Rick en París, la cuál no acaba muy bien porque ella no se va con él. El capitán de la policía Louis Renault es corrupto, y cuando llega el general nazi Strasser no se pone a favor de ningún bando, pero según va pasando la historia irá ayudando al general alemán. Ilsa intenta convencer a Rick para que le de unos documentos para que ella y Laszlo puedan huir a América, pero él le dice que no. Vuelve a surgir el amor entre ambos y ella decide quedarse con Rick, pero él no quiere, así que tiene que elegir entre hacer lo correcto ayudando a Ilsa y a Laszlo o quedarse con el amor de su vida. Finalmente elige hacer lo correcto, así que idea una trama de tal manera que engaña a Ilsa, al capitán Renault y mata al general Strasser, y así finalmente con la ayuda de Renault logran escapar Laszlo e Ilsa.

Opinión personal:

La película me ha gustado bastante considerando que las películas en blanco y negro y tan antiguas no me gustan, pero está si, ya que tiene un final inesperado. También me gusta la banda sonora, que es muy famosa en el mundo del cine, y tiene un papel sentimental entre los protagonistas. De todos los papeles el que más me gusta es el de Rick, y el guión es interesante.

Frases famosas: 

-Tócala otra vez, Sam.

-Siempre nos quedará París.

-Este es el comienzo de una hermosa amistad.

-De todos los cafés y locales del mundo, aparece en el mío

The artist

The artist:

``The artist´´ es una película francesa del año 2011 de drama y comedia romántica muda y en blanco y negro. Está ambientada entre 1927 y 1932, cuando el cine mudo fue remplazado por el cine sonoro. Está escrita y dirigida por Michel Hazanavicius y protagonizada por Jean Dujardin y Bérénice Bejo. La película ha ganado varios premios como 6 Óscar, 3 Globos de Oro, 7 BAFTA y 1 Goya.

 

 Sipnosis:

George Valentín es la estrella del cine mudo. A la salida de su último estreno conoce a una chica que ha chocado contra él, llamada Peppy Miller, y la prensa les toma una foto juntos. Al día siguiente coinciden en el estudio al que ella va a hacer una prueba. Al Zimmer, que es el productor la quiere despedir, pero George lo impide, dándole un papel secundario bailanco con él en su próxima película. Ese mismo dia, George la encuentra en su camerino tocando su ropa enamorada de él. Poco a poco, Peppy va haciendo más películas, en las cuales cada vez ocupará papeles más importantes hasta llegar a ser una estrella.
Un día en el rodaje, Al le enseña a George algo que revolucionará el futuro del cine: una película sonora. George se ríe y piensa que no va a tener futuro, así que apuesta con Al haber quien recauda más dinero, Al con una película sonora protagonizada por Peppy o George con una muda propia. Las dos películas son estrenadas el 25 de octubre. La noche anterior al estreno George acude a cenar a un restaurante, al cual también acude Peppy a que le hagan una entrevista. George la escucha burlarse de los actores de cine mudo, lo cual a él le enfurece y se lo reprocha.
Llega la Gran Depresión, y George pierde todo su dinero y a su mujer, quedándose en la ruina. Su única esperanza esque su película triunfe,  pero no será así. Peppy se hace cada vez más famosa, mienntras que George se hunde en la pobreza, hasta tal punto que tiene que vender sus pertenencias en una subasta pública, pero todas son compradas por un sirviente de Peppy. También se ve onligado a despedir a su sirviente. George se emborracha un día y prende fuego a sus películas, pero la situación se le va de las manos y prende fuego a su casa. Su perro, Jack, acude en busca de un policía, el cuál le salva la vida. George es llevado al hospital y está fuera de peligro. Peppy se entera por el periódico de su desgracia y va a visitarlo y ve que el único objeto que George salvó era la escena de ellos dos bailando. Peppy pide permiso para llevárselo a su casa, con lo que el médico le dice que si. Ya en casa de Peppy su ex chófer, que es ahora el de Peppy, le lleva un guión, y George orgullosamente lo rechaza. Descubre que en una habitación están todas sus pertenecias que había subastado, y se marcha enfadado a su casa quemada. Cuando Peppy llega a casa sus sirvientes le dicen lo ocurrido, y ella acude con pánico a casa de George antes de que éste se suicide. Consigue llegar a tiempo, y consigue salvarle. Se reconcilian y trabajarán juntos como pareja de baile.

Reparto: 

Dirección: Michel Hazanavicius
Producción: Thomas Langmann
Guión: Michel Hazanavicius
Música: Ludovic Bource
Fotografía: Guillaume Schiffman
Montaje: Anne-Sophie Bion, Michel Hazanavicius
Protagonistas: Jean Dejardin, Bérénice Bejo, John Goodman, James Cromwell

Opinión personal:

En esta película la música tiene un papel crucial, ya que al no haber ningún otro sonido, nos mete en el papel y hace que sintamos lo que sienten los protagonistas y hace que sea más llevadera, a pesar de que me ha gustado bastante la película.

Cine sonoro

Cine sonoro:

La tarea más difícil para lograr una película sonora era la sincronización entre el sonido y la imagen. La primera película que incorporó el sonido en el mismo soporte que la imagen fue el ``Don Juan´´ de los hermanos Warner, que se estrenó en Nueva York el 26 de agosto de 1926 y que incluía música de Mozart y algunos efectos de ruido. El éxito de la experiencia hizo que la misma productora aportase su sistema Vitaphone a sus siguientes filmes, comenzando por ``Jazz singer´´ (1927) en la que por primera vez se incluyen canciones y breves diálogos a una narración predominantemente muda.

Hacia 1930 el sonoro era un hecho, y el cine mudo había sido definitivamente vencido.En el mundo de los actores se produjo el pánico, ya que temieron, y con razón, que sus voces no fueran adecuadas a los cambios, y todos fueron obligados a «pruebas de voz». A pesar de que la mayoría de los actores superaban las pruebas, actores significativos, aunque no por causa de la voz, quedaron en el camino John Gilbert y Buster Keaton.

El cine sufrió unos años de retraso por problemas como que las cámaras hacían mucho ruido, y las filmaciones debían hacerse en riguroso silencio. Los micrófonos lo captaban todo y al mismo tiempo no se entendían correctamente las voces de los actores. El operador, encerrado en una cabina insonorizada no se enteraba de nada que no veía, lo que ralentizaba el trabajo y hacía perder agilidad a los movimientos narrativos. Hacia 1928 la mayoría de estos problemas técnicos habían desaparecido, y llegó la ``jirafa´´, un micrófono que se ponía en lo alto de la escena para vitar cámaras aparatosas y pesadas.

El sonido era un problema en los primeros tiempos del cine sonoro. Una amenaza mayor para la libertad de la imagen consistía en la necesidad de que el actor hablase cerca de los micrófonos. Los equipos de sonido de la época exigían que la persona que hablaba se dirigiese al micrófono y a corta distancia. Los micrófonos se escondían en los floreros, tras las cortinas o en la peluca de los actores. En muchos filmes de aquellos tiempos se puede apreciar el envaramiento de los actores y su cercanía extraña hablando con los objetos más diversos.

Uno de los grandes problemas del cine sonoro se debió a la insonorización que debió hacerse de los platós. El primer plató para sonido de la Warner en los antiguos estudios Vitaphone de Nueva York era una especie de gigantesca caja, de unos 14 metros cuadrados y 8,5 metros de altura, con cortinajes colgando por todos lados, en un intento por ahogar los sonidos no deseados.

El conocido león del emblema de la Metro tuvo que ponerse también delante del micrófono.

La llegada del cine sonoro supuso un duro golpe para Charles Chaplin quien, en principio, se negó a aceptarlo, negándole validez artística. Evitó hablar en dos películas ya sonoras: ``Luces de la Ciudad´´  (1931) y ``Tiempos Modernos´´ (1936), que no eran en realidad sino películas mudas con músicas y efectos ingeniosamente sincronizados. Todo hacía pensar que Chaplin, el gran mimo, sería una más de aquellas estrellas que no supieron adaptarse a la llegada del cine sonoro. Chaplin no habló en la pantalla hasta ``El Gran Dictador´´ (1941), pero cuando lo hizo, volvió a tener los éxitos de siempre.

Hubo películas sonoras, basadas en una variedad de sistemas, hechas antes de los años 1920, generalmente con intérpretes sincronizando los labios con grabaciones de audio previamente hechas. La tecnología era mucho más adecuada para propósitos comerciales, y durante muchos años los jefes de los principales estudios de cine de Hollywood vieron poco beneficio en producir películas sonoras. Estas películas fueron relegadas, junto con las películas de color, al estado de curiosidad.

La primera película sonora en recibir una aprobación crítica casi universal fue ``El ángel azul ´´estrenada el 1 de abril de 1930, fue dirigida por Josef von Sternberg. La primera película hablada estadounidense en ser ampliamente respetada fue ``Sin novedad en el frente´´, dirigida por Lewis Milestone, estrenada el 21 de abril. Se considera la película francesa La edad de oro, dirigida por Luis Buñuel, que apareció en octubre de 1930, una de las importaciones más estéticas, aunque más como una señal de expresión del movimiento surrealista que como cine en sí. La película sonora más antigua ahora reconocida por la mayoría de historiadores de cine como un obra maestra es M de Nero-Film, dirigida por Fritz Lang, que se estrenó el 11 de mayo de 1931.

Eisenstein, después de su viaje a Hollywood y México, tras llegar  a la Unión Soviética puso música, usando sistemas de sonorización, a varias de sus películas mudas. Destaca Alexander Nevski, 1938, con una fantástica banda sonora compuesta por Prokofiev.

Música, diálogos y silencios:

Estos tres componentes forman básicamente el sonido en el cine. La música explicaba y cargaba de dramatismo lo que estaba pasando en la pantalla. La partitura estaba pensada exclusivamente para esa película. La razón de que hubiera un pianista en la sala de proyección era que así se anulaba el ruido del proyector y daba continuidad a las imágenes. Algunas de las funciones del diálogo eran dar a conocer un hecho del que no se había dicho nada y se necesitaba aclarar algo, emocionar al lector y así hacer que se meta en la historia, retomar acontecimientos que están desparramados a lo largo de la trama y hacer una apretada síntesis entre ellos. El silencio está considerado el elemento más fundamental en el cine, ya que tiene la capacidad de crear expectativas, suspensos y emociones, que son elementos fundamentales en la recreación de historias.

Historia del cine

Nacimiento del cine

A partir de la fotografía:

-Thomas Alva Edison: Construyó un laboratorio cerca de West Orange, en Nueva Jersey, llamado Black Maria. Allí solía realizar experimentos con fotografías en movimiento, y realizó el primer estudio de cine del mundo. Algunas persona lo consideran como el diseñador de la primera máquina del cine, el kinetoscopio, pero no era él el inventor ni el invento una cámara de cine.

-Hermanos Lumière: Louis y Auguste llegaron al cinematógrafo, máquina que era al mismo tiempo cámara, copiadora y proyector, considerándola la primera máquina auténtica del cine, haciéndose pública en 1895. Esto fue lo que les dio a conocer como los iniciadores del cine. Aparte de crear distintos cortometrajes, crearon la famosa escena de un tren avanzando hacia el espectador, lo que causaba una gran impresión.

Antecedentes:

-Sombras chinescas: luces de antorchas y sombras.

-Cámara oscura: instrumento óptico que permite obtener una proyección plana de una imagen externa sobre la zona interior de su superficie.

-Zoótropo: serie de dibujos impresos en sentido horizontal en bandas de papel colocadas en el interior de un tambor giratorio montado sobre un eje.

-Praxinoscopio: tambor giratorio con un anillo de espejos colocado en el centro y los dibujos colocados en la pared interior del tambor. Según giraba el tambor, los dibujos parecían cobrar vida.

Personajes más importantes:

-Grffith: nació en Kentucky en 1875 y murió en Hollywood en 1948. Es considerado el padre del cine moderno por inventar el primer plano, flashback, o el modelo americano de representación cinematográfica. Rodó más de 500 películas entre las que destacan El teléfono, La Matanza o Abraham Lincoln.

-Charles Chapiln: nació en Londres en 1889 y murió en Suiza en 1977. Fue un actor cómico, compositor, productor y director cinematográfico y escritor inglés mejor conocido por sus populares interpretaciones durante la época del cine mudo. Desde entonces, es considerado como una de las figuras más representativas del humorismo

-Eisenstein: nació en Riga en 1898 y murió en Moscú en 1948. Director, montador y teórico cinematográfico soviético. Hijo de padre judío y madre eslava, estudió arquitectura y bellas artes antes de enrolarse en las milicias populares que participaron en la Revolución de Octubre. Una de sus películas más famosas es El Acorazado Potemkin.

-Méliès: nació en 1861 en París donde también murió en 1938. Director y productor de cine. En 1895, cuando era director del teatro Robert-Houdin e ilusionista profesional asistió al estreno de las primeras películas de los hermanos Lumière con el cinematógrafo.

-El Gordo y El Flaco: Oliver Hardy (Gordo) y Stan Laurel (Flaco). Pareja de cómicos estadounidense de origen británico. Formaron el dúo cómico más famoso de las décadas treinta y cuarenta. Rodaron más de 100 películas, de las cuales 27 eran largometrajes.

Metrópolis (Fritz Lang-1927)

Es una película alemana realizada por la productora UFA. Pertenece al género de ciencia ficción cuyo trama se constituye una distopía urbana futurista. Se estrenó en 1927 (antes de la cinematografía sonorizada). Se consisera como uno de los máximos exponentes del cine expresionista alemán. El guión fue escrito por Fritz Lang y su esposa Thea von Harbou, basándose en la novela de 1926 de la misma Thea von Harbou.

 

Aparición de géneros: 
Gracias a la industrialización del cine aparecieron los distintos tipos de géneros. El primer género eran documentales, posteriormente aparecen los géneros bíblico e histórico. En la
década de los treinta aparece el cine de gángsters y el cine negro. Luego surge el cine fantástico y el de ciencia ficción. En los cincuenta aparece la comedia musical y poco más tarde el género western, un género típicamente americano. El cine de animación fue experimentado desde los comienzos del cine mismo.